معرض نور الرياض 2025

 معرض نور الرياض

يعد نور الرياض احد أبرز المعارض الفنية في المملكة، ويقام في  الرياض كجزء من مشروع الرياض آرت.

 يقدّم المعرض عدة اعمال فنيه تستخدم  الضوء كوسيط فني رئيسي  ليتحول المشهد الحضري إلى معرض مفتوح يحتضن تجارب ضوئية معاصرة.
و يمتد المعرض على عدة مواقع في داخل الرياض ، مثل مركز الملك عبد الله المالي، حي جاكس، وحديقة الملك سلمان

ويقدّم تركيبات ضخمة و عروض ليزر و خرائط إسقاطية واعمال تفاعلية.

يتكون  من عدة فنانين عالميين و محليين من ضمنهم :

- محمد عطاوي

- منيرة القديري

- وانغ يويانغ

- كارولينا هالاتيك

يتوزع المعرض على مسار زمني ومكاني في ان واحد  يبدأ المسار بأعمال تحاكي نور الفجر والهدوء ثم ينتقل إلى اعمال ديناميكية تمثل المدينة النابضة ويختتم بأعمال تفاعلية تعتمد على الظل والصوت والليزر يساعد هذا المسار بإعطاء المشاهد  تجربة حسية كاملة

لتصبح الاعمال تتحرك مع المشاهد وتتغير ألوانها بناء على حركته او وجوده، مما يعطي إحساساً بأن المدينة تستجيب للزائر
و تجربة الضوء الليلي تحديداً تخلق حالة من الانبهار البصري والهدوء النفسي معاً

 حيث يشعر الفرد انه جزء من العمل وليس متفرجاً خارجيّاً فقط

من احد ابرز الاعمال في المعرض هو عمل مصفوفة الماء ثلاثية الأبعاد، 2014 من قبل الفنان شيرو تاكاتاني

العمل هو عبارة عن تركيب ضوئي مائي يعتمد على سقوط قطرات ماء بتتابع محسوب داخل فراغ مظلم، بينما تُضاء القطرات من الأعلى بإضاءة حادة تجعلها تبدو كمصفوفة هندسية تتلاشى في الهواء.

 الشكل النهائي يشبه ستارة ضوئية تتكون من وحدات مائية دقيقة، مع انعكاسات تتفاعل مع سطحٍ سفلي يعكس الضوء ويضاعف الإحساس بالعمق

ينتمي العمل إلى فن التركيب ويميل إلى الأسلوب التفاعلي التقني مع تأثير واضح من الفن المفاهيمي 

تاكاتاني يستخدم التكنولوجيا كأداة تشكيلية، لا كإضافة ثانوية، ليحوّل الظاهرة الطبيعية (الماء) إلى بيان بصري حول السكون والحركة,العمل يعيد تعريف الماء الذي نعرفه كمادة فوضوية ليصبح مصفوفة ثلاثية الأبعاد ذات نظام صارم.

هذا التحوّل يطرح أسئلة حول قدرة التكنولوجيا على تهذيب الطبيعة وإعادة صياغتها بصرياً.

قدم نور الرياض تجربة فنية شاملة تتجاوز حدود المعرض التقليدي فقد نجح في تحويل الفضاء العام إلى ساحة ضوئية وربط الفن بالحياة اليومية للمدينة.
كما أظهر قدرة الفنانين على استخدام الضوء لتأكيد حضور الفن داخل الهوية الحضرية السعودية المتجددة.

المراجع :

https://riyadhart.sa/ar/noor-riyadh/

مقالة لعمل من معرض the weather project by olafur eliasson

 the weather project by olafur eliasson

تظهر الصورة جزء من عمل فني من معرض ذا ويذر بروجكت للفنان اولافور الياسون في قاعة التوربين في متحف تيت مودرن في لندن عام 2003

نرى فضاء واسع جدا مغمور بضوء برتقالي قوي يشبه غروب شمس داخل مبنى مغلق
ينتشر الزوار في القاعة بعضهم واقف وبعضهم يمشي في مجموعات صغيرة بينما كثير منهم مستلقين على الارض ويرفعون نظرهم الى الاعلى
تتحول اجسادهم الى ظلال داكنة صغيرة فوق ارضية مضيئة فيبدو المشهد مثل منظر لمدينة كبيرة تحت ضوء غريب قادم من عالم اخر

هذا الوصف يفتح الباب لفهم العمل بشكل ابسط
الفنان لا يصنع شمس حقيقية بل يستخدم نصف قرص مضيء مع مرايا كبيرة في السقف وضباب خفيف في الهواء حتى ينتشر الضوء في كل المكان ويصنع احساس بشمس كاملة داخل القاعة
بهذا الشكل يصبح الطقس نفسه شيء مصنوع داخل المتحف
هذا يلمح الى كيف تتحكم التكنولوجيا والعمارة في تجربتنا مع الطبيعة خصوصا في المدن الكبيرة

من ناحية اجتماعية يغير العمل صورة المتحف من مكان رسمي وهادئ الى مساحة تجمع عام
طريقة جلوس الناس ووقوفهم واستلقائهم تجعل الجمهور جزء من العمل نفسه
كل زائر يرى انعكاسه في السقف وكأنه جزء من السماء البرتقالية فوقه فيشعر انه داخل لوحة حية وليس مجرد متفرج
تصبح التجربة خليط بين متعة بصرية بسيطة ووعي جديد بالجسد والناس من حوله

يمكن ايضا قراءة العمل كتذكير بعلاقة الانسان بالطاقة والبيئة
المكان الذي يعرض فيه العمل كان في السابق محطة كهرباء كبيرة
هذا الربط بين ضوء الشمس المصنوع وتاريخ المكان الصناعي يلمح الى موضوعات مثل استهلاك الطاقة وتغير المناخ وكيف نصنع صور جذابة للطبيعة ونحن في الواقع نغيرها باستمرار

قوة العمل لا تعتمد فقط على التقنيات المستخدمة بل على قدرته على جعل المشاهد يفكر بعد خروجه من القاعة
فهو يجعله يسأل ما هو الطبيعي وما هو المصنوع وما هو دور الفن في جعلنا ننتبه للضوء والجو من حولنا في حياتنا اليومية

Studio Olafur Eliasson. “The Weather Project, 2003

“Modern Classics: Olafur Eliasson the Weather Project (2003).” artlead Journal

 Tate Modern. “The Unilever Series: Olafur Eliasson: The Weather Project

مقالة لعمل one and three chairs by joseph kosuth

 one and three chairs by joseph kosuth

قدّم العمل المفاهيمي  One and Three Chairs للفنانJoseph Kosuth انطباعًا أوليًا يجمع بين البساطة والغرابة في آن واحد. نرى أمامنا كرسيًا حقيقيًا، وصورته الفوتوغرافية، وتعريفًا قاموسيًا لكلمة "كرسي".

 للوهلة الأولى يبدو المشهد عاديًا ومألوفًا لكن مع قليل من التأمل يبدأ السؤال في الظهور: أين تكمن "حقيقة" الكرسي؟ هل هي في شكله الجسدي أم في صورته أم في الكلمة التي تصفه؟

يرتكز العمل على ثلاثة عناصر مترابطة تمثل ثلاث طرق لوجود الشيء:

الكرسي المادي يجسد الحضور الحقيقي الملموس والصورة الفوتوغرافية تقدّم تمثيل بصري لهذا الحضور أما التعريف القاموسي فيمثل الوجود اللغوي والفكري للكرسي.

بهذه البساطة الظاهرة، يطرح العمل أسئلة عميقة حول العلاقة بين الشيء واسمه وصورته ويشير إلى أن جوهر العمل الفني يمكن أن يكون الفكرة نفسها لا المادة فقط.

العناصر الشكلية والتركيبية في العمل عززت هذا المعنى فالترتيب الأفقي للعناصر الثلاثة على الجدار وتقارب أحجامها والحياد اللوني في الصورة والنص كلها تدفع المشاهد إلى المقارنة بينها مباشرة وكأن الجدار يتحول من مساحة عرض إلى مساحة تفكير وتأمل.

اما من الناحية البصرية قد يبدو العمل بسيط وناقص مقارنة بالأعمال التقليدية لكنه قوي جدًا من الناحية المفاهيمية فهو يفتح حوارًا طويلًا مع المشاهد حول معنى التمثيل والصورة ودور اللغة.

وبذلك يبرزعمل كرسي وثلاثة كراسي مكانته كأحد الأعمال المهمة في تاريخ الفن المفاهيمي ويجعلنا نعيد التفكير بما نعدّه فن في عصر سيطرت عليه الصور واللغة الرقمية.

 

The Museum of Modern Art. Joseph Kosuth. “One and Three Chairs,” 1965. New York: MoMA Collection. تاريخ الاطلاع 18 نوفمبر 2025

 

Smarthistory. “Joseph Kosuth, One and Three Chairs.” Smarthistory: Art, History, Conversation. تاريخ الاطلاع 18 نوفمبر 2025.

 

“One and Three Chairs.” Wikipedia: The Free Encyclopedia. تاريخ الاطلاع 18 نوفمبر 2025.

 

Ferreira, Rute. “Chairs, Neon Lights and Philosophy: The Conceptual Art of Joseph Kosuth.” DailyArt Magazine, 11 July 2024.

مقالة لعمل Composition VII 1913 by Wassily Kandinsky

  Composition VII by Kandinsky

يعد عمل “Composition VII” للفنان الروسي كاندينسكي، الذي أنتج عام 1913، واحد من أهم الأعمال في مسار الفن التجريدي على مر بدايات القرن الواحد والعشرين تم وصف العمل على كونه نقطة تحول في فهم الصورة ككيان مستقل عن المحاكاة حيث تعامل كاندينسكي مع الشكل واللون والخط كعناصر قادرة على بناء معنى بصري خالص, أتخذ العمل مسار الاتجاه الشكلي النقدي و هو اتجاه يركز على تحليل البنية الداخلية للعمل و قراءة عناصره دون اللجوء إلى الخلفيات التاريخية و الرمزية، مما يجعله مناسبًا لتحليل العمل الفني الخاص بكاندينسكي.

 

قام عمل “Composition VII” على شبكة من الخطوط المتداخلة والحركات الإيقاعية التي منحته طابعًا يشبه الانفجار البصري و قد ظهر من خلال استخدام الفنان لخطوط منحنية ومتقاطعة تتوزع في اتجاهات متعددة، مما خلق توازنًا داخل فوضى محسوبا اما بالنسبة للون تم وصفه بالقوة المركزية للعمل، إذ تجاورت الدرجات القوية مثل الأصفر، الأزرق، والأحمر بطريقة جعلت كل جزئية من العمل تبدو وكأنها في حالة اهتزاز متواصل و خلق هذا التداخل وحدة بصرية متباينه رغم التشتت الظاهري.

يلجأ كاندينسكي أيضًا إلى كتل لونية غير منتظمة تؤدي دورًا كبيرا في العمل فهي تظهر العلاقات بين درجات الألوان المختلفة لتبدو كأنها حوار بصري مستمر و لتعويض غياب مركز الاهتمام في التكوين يدفع الفنان عين المشاهد في متاهة حركة مستمرة داخل مساحة العمل دون توقف

 تجلى تأثير النقد الشكلي في العمل بالقدرة على قراءة العلاقات بين الخطوط والسطوح بعيدًا عن أي تأثير خارجي

Kandinsky, Wassily. Composition VII, 1913, The State Tretyakov Gallery.

  Gelman, Vladimir. Kandinsky: The Path to Abstraction. Tate Publishing, 2015.

مقالة و خريطة ذهنية لعمل The House of Representatives 1822 by samuel morse

 The House of Representatives 1822 by samuel morse

يعد عمل The House of Representatives واحد من أبرز الأعمال التي تؤرّخ بصريًا للحياة السياسية في الولايات المتحدة خلال أوائل القرن التاسع عشر لم يقدم العمل بحد ذاته صورة جامدة فقط لقاعات الحكم، بل قدم نافذة واسعة كشفت روح المكان، وحركة الأشخاص، والضوء الذي ينساب على التفاصيل المعمارية بدقة عالمٍ يراقب عصره بعين ناقدة وواعية فمنذ النظرة الأولى  يشعر المشاهد بأنه يقف فعليًا داخل القاعة، محاطًا بكل هذه الأجواء الرسمية الضخمة التي عكست هيبة السلطة وقدرة الفن على حفظ اللحظة التاريخية وتحويلها إلى تجربة بصرية نابضة بالحياة.

اعتمد الفنان سامويل مورس على منظور معماري واسع يُظهر الامتداد العميق لقبة القاعة، مع تنظيم متوازن للأعمدة والقوس المركزي في أعلى المشهد هذا الاختيار المعماري لا يهدف إلى الإبهار فقط، بل عكس رغبة في تأكيد ثبات النظام السياسي وقوته، ظهرت الإضاءة كعنصر مهم في بناء الفضاء، إذ يتركز الضوء على الوسط، في مكان تجمع الأعضاء، بينما الزوايا رسمت في عتمة ناعمة تعطي إحساسًا بالعمق.

تم رسم مجموعة من الأشخاص النبلاء بتفاصيل دقيقة أظهرت اختلاف وضعياتهم بعضهم واقف يتحدث وآخرون منحنون على الأوراق بينما يجلس آخرون في الخلفية وكأنهم يتأملون النقاش الدائر بينهم هذا التنوع في الحركة عكس الطبيعة الحية للمناقشات السياسية ومنح اللوحة طابعًا شبه وثائقي على سبيل المثال يمكن ملاحظة الطريقة التي اوضح فيها الفنان تجمع صغير لمجموعة النبلاء يتناقشون في الجانب الأيسر وهو مثال واضح على استخدامه للحركة البشرية في خدمة الموضوع السياسي كما يظهر استعمال اللون بدرجات دافئة في ملابس الشخصيات تباين مع برودة ألوان الجدران الرخامية  ليُبرز حضور الإنسان داخل فضاء معماري ضخم يفوقه حجمًا.

تُعد لوحة The House of Representatives عملًا بصري جمع ما بين التوثيق الفني والرؤية الجمالية.

 موقفي من العمل إيجابي جدًا، إذ أراه مثالًا على قدرة الفن على تحويل مشهد سياسي قد يبدو جامدًا إلى تجربة نابضة بالحياة، مليئة بالتفاصيل والحركة والمعنى، مما يمنحها قيمة جمالية وتاريخية لا يمكن تجاهلها.

 

National Gallery of Art.
“The House of Representatives (Samuel F. B. Morse).”
Washington, D.C. Accessed November 2025. National Gallery of Art.

 The Metropolitan Museum of Art.
“Samuel F. B. Morse: Artist Biography and Works.”
New York. Accessed November 2025

Samuel F. B. Morse and American Art in the 19th Century.” Smarthistory.
Accessed November 2025.

The Art Story Foundation.
“Samuel F. B. Morse: Artist Overview and Contributions.” TheArtStory.org.
Accessed November 2025.

الخريطة الذهنية

مقالة لعمل ضائع في الوقت للفنان جورج كوندو

Lost in time 2024 by George Condo

يقدم عمل Lost in Time 2024  للفنان جورج كوندو مثالًا واضحًا على كيف يمكن للعمل الفني المعاصر أن يكشف الحالات الإنسانية الداخلية عبر توظيف التكوين واللون والكتلة في مشهد واحد شديد التأثير.

اعتمد العمل على شخصية مركزية ذات ملامح مشوهة، مما كون إحساسًا بالقلق وجذب العين المبصرة نحو مركز الاهتمام ويظهر في الخلفية اللون الأزرق كعنصر بصري بارد يعزز العمق ويؤكد الإحساس بالعزلة.

يستخدم كوندو تباين الألوان والخطوط المنحنية على القميص لتوليد إيقاع بصري متكرر يمنح العمل طاقة متوترة ومشحونة كما يعطي توزيع الكتل بشكل مدروس حالة من الاضطراب الداخلي تقابلها فوضى خارجية رمزية.

شكل الدخان المتصاعد عنصر دلالي يرمز إلى الضياع، بينما تؤدي الملامح الواسعة للشخصية دور الهوية القلقة التي تتجاوز حدود الوصف البصري نحو تأويل نفسي وثقافي.

قدم الفنان من خلال العمل سردًا بصريًا يتقاطع فيه الشكل مع الرمز والسياق ليكشف توتر اللحظة الإنسانية وارتباك الزمن كما يوحي العنوان

وبذلك تتحول اللوحة إلى مساحة تأمل تعكس العلاقات المتشابكة ما بين الشعور الداخلي وتمثيله البصري كما كشفت عن قدرة الفن المعاصر على استخدام التفاصيل والرموز لصياغة رؤية فكرية تجاوزت حدود التصوير التقليدي.

منح عمل lost in time المشاهد فرصة لقراءة مستويات متعددة من المعاني المختلفة للعمل مستفيدًا من الإيقاع والتباين الذي ساهموا في بناء المشهد.

 

Condo, George. Lost in Time. 2024. Exhibition Catalogue, New York: Skarstedt Gallery.

 

 Smith, Roberta. “George Condo and the Psychology of the Grotesque.” Art Review Journal 12, no. 3 (2024): 44–52.

مقالة لعمل ليلة مرصعة بالنجوم للفنان فان جوخ

ليلة مرصعة بالنجوم

رُسم العمل عام 1889 أثناء إقامة فان جوخ في مصحّة سان بول في فرنسا، وهي فترة خلفت أثر كبير على حالته النفسية ومساره الفني، كان الفنان يعيش صراعًا داخليًا مع ذاته، وتقلّبات عاطفية حادّة جعلته يبحث عن معنى لحياته وسط العزلة والقلق. هذه الحالة انعكست بوضوح في اللوحة التي تُعد من أبرز أعماله وأكثرها تعبيرًا عن عمقه الشعوري.

يظهر في عمل ليلة مرصعة بالنجوم أثر الانطباعية وما بعدها من خلال الخطوط المنفعلة والفرشاة السريعة والحركة المكثفة في السماء وعلى الرغم من أن العمل لا يرتبط بأي حدث سياسي، فإنه قد عكس حالة شخصية ونفسية قادت فان جوخ إلى أسلوب فريد يعتمد على المبالغة التعبيرية وإعادة تشكيل الواقع وفق رؤيته الخاصة.

ترك العمل أثرًا بصريًا قويًا بفضل الجو الدرامي الذي يملأ السماء والحضور العاطفي المتدفق في كل جزء منه ويوازن العمل بين مشهد القرية الهادئة التي توحي بالسكون، والسماء الهائجة التي تتشابك فيها الدوّامات والخطوط هذا التناقض بين السكون والاضطراب منح العمل عمقًا شاعريًا ودراميًا يجعل المشاهد يشعر بطاقة العمل وانفعاله, تكمن قوة اللوحة في صدق فان جوخ الانفعالي وقدرته على نقل مشاعره من خلال اللون والحركة، بينما قد تُعد المبالغة في التشويه أو التغيير عن الواقع نقطة ضعف في نظر بعض المشاهدين، رغم أنها جزء أساسي من طابع اللوحة ما بعد الانطباعي.

وتظهر العناصر البصرية للعمل بشكل واضح في سيطرة اللون الأزرق بدرجاته المتعددة، الذي يشكل الخلفية الليلية ويعطي إحساسًا بالعمق والاتساع ويتباين ذلك مع الأصفر المشرق الذي يسطع من النجوم والقمر، مما يخلق توازنًا بصريًا دقيقًا بين البرودة والدفء إضافة لحركة السماء بخطوط لولبية متناغمة تمنح التكوين ديناميكية قوية تجعل السماء مركز الاهتمام الأول وفي المقابل تبدو القرية بأشكالها البسيطة وخطوطها المستقيمة ثابتة ومستقرة، مما يعزز فكرة السكون الأرضي مقابل العاصفة السماوية.

 تساعد العلاقة بين الشكل واللون في تعزيز الشعور بالتوتر والهدوء في الوقت نفسه، وتمنح العمل انسجامًا بصريًا فريدًا رغم الحركة الكثيفة التي تملأ اللوحة من الأعلى.

 

The Museum of Modern Art. “Vincent van Gogh: The Starry Night (1889).” MoMA Collection. Accessed November 2025

Van Gogh Museum. “The Starry Night: Creation, Technique, and Historical Context.” Van Gogh Museum, Amsterdam. Accessed November 2025.

 

Khan Academy. “Van Gogh, The Starry Night.” Smarthistory. Accessed November 2025.

. The Art Story Foundation. “Vincent van Gogh: Post-Impressionist Master and The Starry Night.” TheArtStory.org. Accessed November 2025.